sábado, 22 de noviembre de 2008

Música clásica de la India y música clásica occidental - Algunas comparaciones

En la India la música clásica es denominada shastriya sangeet. Sangeet significa música, y Shastriya, del sánscrito shastra, que se remite a una ciencia o método. Mientras la música clásica occidental es llamada clásica meramente por su antigüedad, sus equivalentes en los idiomas de la India indican una ciencia del sonido, fundamental y subyacente en la tradición de la música clásica. La ciencia detrás de la música india está codificada en textos antiquísimos como los Vedas. Cada composición fue creada científica o metódicamente, cada nota simboliza un sentimiento, una intención, un punto de referencia en el cuerpo humano y en el cosmos, una indicación de cómo desarrollar la misma composición de acuerdo al lugar en que se encuentra.

Hoy en día, dos tradiciones musicales clásicas conviven en la India, una en el norte y otra en el sur. El estilo del norte de la India es conocido como el estilo indostánico y cuenta con (discutibles) influencias persas y centroasiáticas, tanto en la instrumentación como en su tonalidad.

El estilo clásico del sur es conocido como carnático. Relativamente aislado de las influencias extranjeras, está presumiblemente más cerca del estilo expuesto en los antiguos textos sánscritos. Los conceptos aquí expresados, aplican en la medida de lo posible a ambos estilos de música clásica india, en contraposición con la música clásica occidental.

La octava musical india (que no es una octava en sí, es un saptak, de siete notas) es considerablemente más rica que la octava musical occidental. Por qué? Porque la octava occidental completa se compone de 12 notas, mientras que la música clásica de India cuenta 22 notas.

En la música clásica de Occidente, la claridad tonal es altamente valorada y una emoción es comunicada a través del modo en que una nota es tocada o cantada. La música clásica de la India, por el contrario, utiliza microtonos – shrutis - que fluctúan con rapidez, notas que pueden caer entremedio de las 22 notas estándar, para acentuar una de ellas. A los oídos occidentales esto puede sonar como un compromiso respecto de la claridad tonal, o inclusive desafinado, pero el valor de los microtonos se vuelve más claro a medida que uno escucha con profundidad la música clásica de la India.

La música clásica de la India gira en torno a los conceptos centrales de raga y tala. El raga es una entidad musical aural que brinda un marco tonal que circunscribe las notas que están permitidas en una composición clásica y aquéllas que no, junto con un sentimiento o intención que éstas transmiten. Todas las piezas clásicas fueron concebidas de acuerdo a un raga y comienzan con una escala ascendente y otra descendente y proceden a explorar las mismas. Y porque cada composición no está sola, sino que tiene el soporte de un raga, es que hay un considerable espacio de exploración e improvisación durante su interpretación. Mientras que en la música clásica occidental no cualquier músico puede dedicarse a la composición de piezas, aunque sí a su ejecución, en la música clásica de la India el curso más básico – ya sea vocal o instrumental - incluye material sobre los ragas principales y consejos para la composición. La composición es prácticamente inseparable de la interpretación en la música de la India, debido a la presencia de la improvisación y la personalidad y musicalidad de cada intérprete. La composición musical, como cualquier otra actividad creativa, requiere un talento considerable. Sin embargo, el hecho de contar con un marco estándar de ragas como referencia le brinda al compositor un conjunto de reglas a seguir o a quebrar, creativamente hablando. Sin embargo, hay que saber qué reglas pueden quebrarse y en qué contexto.

La música clásica occidental es polifónica mientras que la de la India es homofónica. También podríamos decir que la música clásica occidental privilegia la armonía y la de la India la melodía, si bien la armonía también está presente en la música de la India aunque no de la manera en que es comprendida en Occidente. No hay acordes, las notas resuenan aún sin ser ejecutadas, como un eco, ya desde las primeras vibraciones de la tanpura. En el Sa están contenidas todas las notas, el Sa está contenido en el silencio mismo y del silencio interno surge la creación.

La música clásica de la India compensa su ausencia de polifonía con el gran desarrollo del conocimiento rítmico y percusivo. La música clásica occidental subordina el ritmo a la melodía, con algún que otro golpe de timbal para acentuar una frase musical y reduce el ritmo a tan solo llevar la cuenta del pulso. Por otra parte, la música de la India, como ya mencionamos, se basa en torno a los conceptos centrales de raga y tala. Éste segundo concepto crucial es el ritmo. Cada pieza musical clásica comparte su escenario con ambos, y es el aspecto rítmico el que establece el esquema de la composición. Quienes habitualmente escuchan música de la India son tan concientes del esquema rítmico de una pieza como de su aspecto melódico.

Tal vez el mejor aspecto de la música clásica de la India sea el hecho de que cuenta con dos estilos diferentes. Ambos descienden claramente de la misma fuente, de la misma tradición. Sin embargo, en su forma actual, contienen muchas influencias regionales que proveen puntos de referencia valiosos cuando son yuxtapuestos. Un estilo que suele deleitar al público de la música clásica india es el jugalbandi, donde músicos de dos estilos o tradiciones diferentes interpretan a dúo el mismo raga y se turnan en la ejecución, llevando adelante un vívido debate musical. La música clásica occidental parece enfatizar las tradiciones musicales menos que la música india, concentrándose más bien en los estilos de compositores reconocidos. Al no contar con el marco del raga y de las tradiciones según gharanas (escuelas o tradiciones), se hace más difícil comparar cómo los diferentes estilos musicales interpretan un conjunto de reglas respecto de la composición.

viernes, 21 de noviembre de 2008

Aprender escuchando

Versos del “Tirukural”, obra maestra de la ética escrita por el santo Tiruvalluvar hace 2.200 años en el sur de la India.

Capítulo 42: Aprender escuchando

Kural 411
La riqueza más preciada es la riqueza adquirida por el oído.
Verdaderamente, de todas las riquezas, ésa es la riqueza suprema.

Kural 412
Solamente cuando no hay nada para ofrecerle al oído
Es el momento de ofrecerle algo al estómago.

Kural 413
En el Cielo, los dioses se alimentan de los fuegos rituales.
En la Tierra, los hombres que se deleitan escuchando son sus iguales.

Kural 414
Aún sin poseer conocimiento, si un hombre escucha a los eruditos,
Eso le servirá de bastón y de fuerza en la adversidad.

Kural 415
Las palabras pronunciadas por los hombres justos
Son como un bastón que fortalece en un lugar resbaladizo.

Kural 416
Dejad que el hombre escuche buenas cosas, por más poco que eso sea.
Aún eso poco aumentará su grandeza.

Kural 417
Aquéllos que han estudiado profundamente y escuchado diligentemente
Nunca dicen tonterías, aún cuando hayan malentendido un asunto.

Kural 418
Si no están perforados por un escuchar agudo
Los oídos pueden oír y sin embargo seguir siendo sordos.

Kural 419
A menos que un hombre haya escuchado con sutileza al aprender
Es poco común que hable con humildad.

Kural 420
Hay quienes saborean con la lengua pero sus oídos no saborean nada.
Qué importancia tiene si están vivos o muertos?

Improvisación en la música de la India

La improvisación juega un rol muy importante en la interpretación de la música clásica de la India y se pone un gran énfasis en la creatividad y sensibilidad del solista. La interpretación de un raga pasa por etapas bien definidas, comenzando por un preludio melódico improvisado, seguido por una pieza compuesta y al ritmo del un taal. No hay duración prefijada para la interpretación.

Otra característica importante de la improvisación en la música clásica de la India es la aceleración gradual del tempo, que culmina en un climax final. La prioridad en la música indostánica es el máximo desarrollo de un material mínimo, por lo cual un músico necesita conocer unos pocos ragas en profundidad antes que muchos pero de modo superficial.

Dentro de cada raga, el énfasis está puesto en el lento desdoblamiento de sus sutilezas melódicas, nota por nota, en la larga exposición improvisada conocida como alaap. Deben respetarse escrupulosamente las reglas del raga para que éste produzca en la audiencia el sentimiento correcto, pero también para evitar confundirlo con otros ragas similares. Estas reglas incluyen sostener las notas con la entonación correcta, adornando unas notas de acuerdo a lo prescrito, enfatizando otras, realizando los ascensos y descensos de secuencias de las escalas del raga correctamente y asegurando que el raga elegido sea apropiado para ese momento del día o de la noche. El desarrollo del raga continúa normalmente con una o más composiciones en diferentes ciclos rítmicos.

Escuchando con conciencia

Traducción del ensayo publicado por el Dr. Hassan Azad en http://www.sarangi.info/. El Dr. Azad es matemático y sitarista, discípulo de Ustad Mohammad Shareef Khan.


Primero aprendemos música de manera directa, sin ser concientes de los nombres de las notas. Todos podemos cantar sin saber el sargam o sin ser concientes de él. En el caso de quienes tocan instrumentos, los dedos simplemente aprenden a encontrar el lugar correcto con la suficiente práctica. El método directo de absorber la música y reproducirla es sin duda el mejor método para aprender. Al aprender la música del subcontinente indio se pone gran énfasis en el aprendizaje de los nombres de las notas. Por qué es tan importante cuando aún músicos profesionales tienen dificultades ocasionales en este aspecto? Por ejemplo, seguramente podemos cantar una melodía escuchada en una grabación, pero transcribir el sargam pondría a prueba aún a un músico profesional. Entonces por qué y cuándo se vuelve importante esta habilidad de nombrar las notas?

Se vuelve importante cuando uno quiere aprender y escuchar con “conciencia”. El deseo de saber y comprender es un deseo fundamental del ser humano. Uno quiere saber si el desarrollo del raga es arbitrario o si sigue algún tipo de patrón. Cuáles son los principios de la improvisación y composición en la música clásica de la India? Son realmente diferentes de los principios de la composición en otras músicas? Las respuestas a estas preguntas son de gran importancia para la transmisión del arte de la improvisación a las generaciones futuras. Seguramente la respuesta debe provenir del análisis de los registros grabados o transmitidos oralmente por los maestros.

Por su naturaleza misma, un intérprete de música clásica de la India es un compositor en sí. Al aprender el reconocimiento de las notas, es posible obtener una idea de los principios básicos de la composición en la música clásica de la India. Por supuesto nadie puede enseñar creatividad. Pero por intermedio del análisis se puede comenzar a entender la intuición de los grandes artistas.

Si alguien quiere escuchar concientemente, tiene que invertir un tiempo sustancial en el aprendizaje del reconocimiento de las notas. Cómo podemos lograr esto? Las largas caminatas ayudan, además del estudio intensivo de las escalas y combinaciones de notas y diferentes intervalos.

Una vez que hemos dominado el reconocimiento de las notas, podremos responder las preguntas planteadas anteriormente. Aún la más simple pregunta puede ser esclarecedora: hay alguna relación entre la última nota (o grupo de notas) de una frase y la siguiente? Hay una correlación entre la última nota de una frase y la primera de la siguiente o entre las primeras notas de un grupo de notas y las primeras notas de la frase siguiente?

Para entender los principios de la improvisación, podemos concentrarnos en la nota o patrón en que termina una frase y la nota o patrón en que comienza la siguiente frase. Empezaremos a ver que los intérpretes se dejan llevar inconcientemente por los principios de consonancia y contraste, repetición, silencio – que en sí son principios universales de composición. Hay elementos de repetición – recapitulación, omisión de algunas notas, sustitución de otras, inversiones, etc. En una mente musical esto ocurre instintivamente, pero el estar conciente de esto sin duda ayuda al alumno mientras estudia.

La variación en la música clásica de la India proviene de colorear las notas de manera diferente – esto es lo que hace el shruti o microtono - escuchar la misma frase en la mente pero con diferentes microtonos, adornos, variaciones de volumen y ritmo…La composición en la música clásica de la India es incremental y es el sentido del balance, contraste y torrente de ideas nuevas y matices lo que diferencia a un gran intérprete del intérprete promedio. La felicidad de descubrir algo nuevo es algo que debe ser experimentado: no puede ser descrito en palabras.

Nota de la traductora: no olvidemos que, a pesar de todos los análisis que podamos hacer de diferentes grabaciones y de la información a la que podemos acceder en Internet o a través de los libros, cada raga tiene su sentimiento propio. Aquí el tema no es ponerse el sombrero de “compositores” y empezar a inventar taans, frases o adornos, sino la comprensión - por sobre todas las cosas – de que el transformar las notas de un raga en un sentimiento, en el sentimiento propio e inalterable de cada raga, es un don divino destinado a unos pocos. Y esos pocos han estudiado durante décadas antes de ejecutar en público el primer raga que estudiaron.